Poetische Kunstkritik Berlin
In André Uerbas „Æffective Choreography“ reflektieren die fünf Performer:innen György Jellinek, Jone San Martin, Lyllie Rouvière, Manoela Rangel und Pedro Aybar die Gefühle, die ihren Körpern innewohnen, und zeigen dabei Verletzbarkeit.
Es war gleich hinter der Mona Lisa, aber der Raum um das Gemälde war fast leer, sodass mein Vater und ich es ganz allein betrachten konnten. So eine große Leinwand hatte ich gefühlt noch nie gesehen.
Was Helga Goetze in erster Linie auszeichnet, ist die unerschütterliche Beharrlichkeit, mit der sie an dem Umsturz schwerwiegender gesellschaftlicher Tabus arbeitete. Vor allem die Darstellung der Sexualität als Akt der Befreiung und der Ermächtigung – gerade für Frauen – steht im Zentrum ihrer multimedialen Praxis.
„Wie bist du zur Kunst gekommen?“ ist eine beliebte Frage an Menschen, die Kunst schaffen, über sie schreiben, oder sie ausstellen. Die Antworten sind meist biografisch und verweisen oft auf eine erste Kunsterfahrung. Neben Ausgesprochenem bestehen sie aus Vergessenem und Verschwiegenem.
„Indem ich die Geschichte des Libanon durch Archäologie aufarbeite, möchte ich aus der für meine Generation typischen skeptischen Haltung gegenüber Dokumenten ausbrechen. Ich identifiziere mich eher mit den jüngeren Akteuren der Revolution, die, wie ich auch, mit diesem konventionellen Skeptizismus nichts anfangen können.“
Ein Sammeln in Bewegung, ein nomadischer Prozess, der sich mäandernd von Ort zu Ort bewegt – das Performancekollektiv BAG (Lisa Densem, Roni Katz, Manon Parent, Annegret Schalke, Xenia Taniko und Maya Weinberg) fragt in ihrem Projekt „The End is not an Option“ nach alternativen Geschichten und Formen des kollektiven Miteinanders.
Lässt sich Gemeinschaft neu denken durch die Auflösung des linearen Konzepts von Zeit?
Auch an diesem Sonntagmorgen, lustiger Zufall oder heimliches Orakel, schallt Fairuz’s Stimme in meinem Kopf. لِبيروت (An Beirut). An diesem Zeitpunkt weiß ich noch nicht, dass ich am Nachmittag die Ausstellung von Paola Yacoub, „BEY002“, besuchen werde.
Was macht ein Leben betrauerbar? Wie lässt sich zu fremden Verstorbenen Nähe schaffen? Laura Poitras und Sean Vegezzi richten im Neuen Berliner Kunstverein eine Drohne auf Verstorbene und Totengräber:innen der New Yorker Friedhofsinsel Hart Island.
Seien sie als Pornografie oder Kunst kategorisiert, die erotischen Darstellungen spiegeln meistens zahlreiche Stigmatisierungen und gesellschaftliche Normen wieder, die zur Unterdrückung eines Teils der Menschheit – unter vielen anderen Frauen – beitragen. Diese Darstellungen, oder die Tatsache, dass diese Darstellungen als erotisch kategorisiert werden, verstärken diese Normen immer mehr.
Survivalism ist ein Trend, der im Deckmantel der Beschützung Kulturpessimismus und Bedrohung symbolisiert. Die Atemschutzmaske ist das dialektische Gegenteil. Über den Umgang mit Verwundbarkeit und den Schutzauftrag der Mode.
Wie mit dem männlichen, weißen Blick umgehen – als männlicher, weißer Autor?
Die EU ruft ein “Neues Europäisches Bauhaus” aus, um die Künste für ihre Nachhaltigkeitsagenda Green Deal zu mobilisieren. Dabei ist ihre Klimapolitik umstritten — ebenso der Mythos Bauhaus.
„Christo und Jeanne-Claude“ ist der offizielle Name des Künstler*innen-Duos seit 1994. Dennoch werden sie weiterhin oftmals lediglich “Christo” genannt. Diese Art, Sätze zu formulieren, wo Jeanne-Claude wortwörtlich verschwindet, ist sehr aufschlussreich. Kurator*innen haben die Verantwortung und die Herausforderung, die patriarchale Darstellung von Christo und Jeanne-Claudes Kunst zu dekonstruieren.
Katharina Grosses multidimensionale Installation im und vor dem Hamburger Bahnhof gleicht einer Momentaufnahme zwischen Präsenz und vorbeigezogener Zukunft.
Das österreichische Geburtshaus eines Diktators soll in eine Polizeistation umgebaut werden, um es zu „neutralisieren“. Das suggeriert eine Opposition der Polizei zu rassistischen Ideologien der Vergangenheit und Gegenwart.
Die ästhetische Aneignung von Brustkrebs in der Tradition von Dorothea Lynch und anderen „Politicized Patients“ der 1970er und 1980er kann es nur als wilde, prismatische Brechung der absurden Bilder geben, die auf Betroffene projiziert werden. Der Blick in den Kühlschrank zählt dazu.
In John Cages und in Hans Krüsis Werken begegnen sich Töne diverser Herkunft. Frösche, Schweine, Insekten und Züge begegnen Sänger*innen, menschlichem Lachen, Radiosendungen und allen möglichen Arten von unerkennbarem Quietschen. Sie begegnen sich, weil sie alle auf die gleiche Ebene gestellt werden. Die Hierarchie der Geräusche ist hier definitiv abgeschafft.
Relaxed Performances stellen eine notwendige Möglichkeit dar, die Diversität und kognitive Vielfalt unter den Zuschauer*innen performativer Künste zu vergrößern.
Warum vermisse ich die Kunst so sehr? Mir fehlt die Präsenz von Werken. (…) Der direkte Kontakt mit dem Werk ist schlicht für mich eine andere Erfahrung. Seine physische Präsenz spricht meine Sensibilität an, weckt meine Emotionen und unterscheidet jede Ausstellung damit grundlegend von jeder virtuellen Darstellung.
Steht Widerspruch oder Komplementarität zwischen einem Fenster, das Licht schenkt, und einer Fotografie, die Licht absorbiert?
Wir bleiben zuhause. Das klingt nach Einheit, nach Gemeinschaft, nach einer geteilten Erfahrung, selbst wenn Millionen Menschen sie alleine machen. Aber obwohl diese vielen Einsiedler*innen scheinbar alle das Gleiche tun, zerfällt der allgemeine Rückzug in Millionen verschiedener Erfahrungen, denn das eine Zuhausebleiben gibt es nicht.
Zum Ende der Performance bleibt der Darsteller, der sich eingangs als Schriftsteller Thomas Melle vorgestellt hat, einfach in seinem Sessel hocken, ein Bein leger überschlagen. Unter verhaltenem Applaus sperren zwei Theatertechniker*innen das kärgliche Bühnenbild ab, mit edlem, rot schimmernden Gurt. Das zieht an.
Was ist die Natur, die Rolle, das Objekt, und der Platz der Kunst in unserer zeitgenössischen Gesellschaft? Diese Fragen sind nicht neu, sondern neu gestellt, weil sie nämlich mittels eines Mediums gestellt werden, das unserer digitalen Zeit eigen ist.
Curators create a dialogue between the recent history of the 20th century and the ancient history of Islamic civilisations, in which Iranian heritage belongs. Like the museum, by collecting and presenting objects, the artists preserve the memory and the heritage of Iran through their works. Heritage is essential to a society, a nation, a country and an individual to create his identity. The photographs are questioning this notion of identity: the search and the lost, the present and the past.
Zu Beginn hängt das Tuch als monochrome Fläche dort, wo normalerweise ein Bühnenvorhang Bühne und Zuschauer*innenraum teilt. Tänzer*innen laufen auf und stellen sich in einer Reihe mit dem Rücken eng an das hermetische Textil. Die vollkommen glatte, fahle Fläche erinnert erst an eine Wand aus…
Im (Tempelhofer) Wald wachsen unterschiedliche Leben, die sich gegenseitig unterstützen und ergänzen. Im Wald sieht man die Wurzeln nicht, die die Bäume zusammen verbinden. Man kann sie sich aber immer einbilden.
In allen Live-Aufführungen wird zwischen den Performern auf der Bühne und dem Publikum vermittelt. Diese zwei Kommunikationsebenen müssen immer entstehen, weil sie die Einmaligkeit einer Aufführung garantieren. Das Besondere an Jérôme Bels Inszenierung “Isadora Duncan” ist, dass sie nicht Isadora Duncans Tänze als Objekt des…
Zwei Körper bewegen sich langsam und andächtig, sie bewegen sich zueinander und wieder voneinander weg. Jede Bewegung ist fluide. Die Momente der Monumentalität, wenn der Atem fast stockt und die Spannung am größten ist, entfliehen durch ihre Auflösung.
Die Stadt erstrahlt und ihre Besucher auch. An jeder Straßenecke, in Cafés, unter der prallen Sonne flüstern die Menschen, unterhalten sich oder wärmen sich auf. Ein Wort taucht immer wieder auf: „Les Rencontres“. Anfang Juli hat das Festival gerade erst begonnen. Die Stadt flüstert vor dem Rauschen ihrer unzähligen Besucher, ob treu oder neu, ob Profi oder Amateur.
Die Ausstellung will in erster Linie diesen von Emil Nolde teilweise selbst gebauten Opfermythos dekonstruieren. Doch in kurzer Zeit wandelte sich in meinen Gedanken die oben genannte Hauptfrage um: Wie und inwiefern hat Noldes politische Position meine Betrachtung seiner künstlerischen Arbeit beeinflusst?
In der Ferne ragt am Himmel über der Baulinie der Fernsehturm heraus. Ich bin immer noch in Berlin, im KINDL. Ich werde mich jedoch fast fragen, inwieweit der Künstler mit dem Raum gespielt hat. Die großen Fenster bieten einen weiten Blick auf die Stadt und erwecken fast den Eindruck, dass es sich bei diesem Blick um ein in die Ausstellung integriertes Farbfoto handelt. Ist das Ziel des Künstlers: den Besucher zu verlieren? Ihn zu desorientieren?
Neben den assoziativen Bezügen zum Weltraum, zur Gravitation oder Transhumanität, erinnern mich die glucksenden, dumpfen und technoiden Geräusche an eine außerirdische Unterwasserwelt.
Im Publikum etwas Lachen und Lächeln. Humor? Hindernis? Langeweile? Es ist fast wie Situationskomik. Angesichts der Konzentration des Künstlers, der nicht schwächt, werden wir schwächer. Wir lassen uns von unseren Emotionen überwältigen.
Durch eine poetische Metonymie wird ein Ökosystem zu einem Ausstellungsobjekt gemacht, und eigentlich wird auch meine Art, mit dieser Umwelt umzugehen, als solche ausgestellt.
In dem Rundgang, den ich hiermit noch einmal durchlaufe, ist jedes Element doppelseitig. Jede Landschaft und jeder Bestandteil der Landschaft enthält ein unbeschreibliches und unscharfes Rätsel. Das Rätsel hat mit einer Art Zwiespältigkeit zu tun. Oder vielmehr mit einer Ambivalenz. Jedes Objekt hat eine doppelte Identität und verrät auch nichts anderes als diese Duplizität, ohne sie weiter zu erläutern.
Ein langer, enger Korridor öffnet sich vor meinen Augen. Es entstehen verstreute Klänge: Gesang, Reden? Bisher nichts erkennbar. Meine Augen werden von einem Bildschirm angezogen, aus dem Lippen hervorspringen. Diese Lippen bewegen sich, sie scheinen mich zu rufen. Laden mich ein.